Edward Pimenta escreve cronica / critica maravilhosa sobre F.E.T.O.

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Gerald Thomas se rende a Luciene Carvalho

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July 31, 2022 · 7:35 pm

Sunday blues

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Jornal Estado de São Paulo: lançamento de F.E.T.O.

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July 27, 2022 · 12:33 pm

Folha de S Paulo Ilustrada: F.E.T.O

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Correio da Manhã – F.E.T.O. – por Rodrigo Fonseca

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O mundo “Parango-Vento” magnifico de João Pimenta (Beatrice Sayd desfilando na minha peça F.E.T.O.

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Wagner Pinto: o maior lighting designer ever. São 37 anos de parceria.

Espetáculo F.E.T.O. (Gerald Thomas) Julho 2022 – Luz Wagner Pinto. “Bicycle Wheel” Marcel Duchamp

Wagner Pinto

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“THE EMPTY SPACE” LEFT EMPTY

PETER BROOK 1925 – 2022

By  Gerald Thomas July 4, 2022

Making theater happen or assembling its various parts is not exactly the hardest thing in the world. That is essentially what we all do all the way back to the Greeks. However, “authoring”, well, yes. That is dare I say….’unique’ !

But to “think” the theater not only as a craft, but as an ever evolving philosophy; that is even more challenging. And to transform it, radically, into a ‘before and after’, well…that’s up to the Gods. And it only happens once every 100 years. I’m being optimistic, of course.

Peter Brook was that singular mosaic building architect, that lonely philosopher who “devised and conceived” the whole thing in a special spatial way.  One of these rare innovators are what we call “geniuses“.

He was the father, the mother and the God to modern theater, contemporary, postmodern, deconstructive and avant-garde stage craft. Without him and his concept of the “Empty Space” there would not have been  the likes of Bob Wilson, Pina Bausch, Antunes Filho, Peter Stein, Victor Garcia, Richard Schechner, the Mabou Mines, Peter Stein, Gruber or ….. or so many others like me, for example .

Yes, he held a very comfortable position in the Royal Shakespeare Company in London, in the late 60’s and 70’s when something broke in his head, cracked his mind open, opened his vision just like in one of those delightful nightmares, tasting like “Caliban-esque Tempest” (one that destroys what already exists, but opens one’s pallet to new and exotic flavors), Brook introduced the notion of discomfort to the theater.

Peter Brook was obviously picking up on the Grotowski ripple effect, in a way. All over the world, Grotowski’s voice is heard and absorbed. Suddenly, as if out of nowhere, in all four corners of the ring, Grotowski and Jan Kott (“Shakespeare Our Contemporary”) are working in tandem and rattling the scene. But nobody hears them better than Brook.

Nobody understood Grotowski’s “physicality” better than Brook. The Polish master came at the right time, as the right remedy and rescued a Master of the Theater.

The idea of a “poor theater” might have born under the horrible occupation of Poland during the Second World War. But its germination was resonating morphically, all over the planet.

This “Poor Theater” is, above all, and I mean, above it all, Brook’s idea of an ​​”empty space”; a space stripped bare naked, freckled void and just raw.

Scaffoldings all over on stage, meant to be climbed upon, meant not merely to be looked at, meant to represent “Under Construction”!!!

This book marks the definite end of a pompous theater (the Royal Court theater) and a ‘new theater philosophy under construction’ and is only really preceded by the highly politically charged theater of Bertold Brecht and of Artaud’s “cruelty “notations” and, of course, the theater without walls by Julian Beck and his Living Theater.

Pomp and Circumstance done away with, what prevailed was the naked lunch or the naked truth of an essence of drama and storytelling.

“Less, less,” Brook shouted or whispered when an actor was heading “beyond” the limits of histrionics or when fake emotions were an obvious resource during the rehearsals of Midsummer Night’s Dream.

Ironically, this “less” turned out to be “more” (Less is More) and rippled through just about every aspect of modern life, especially the Minimalists. Brook, Beckett and the Minimalists – a straight arrow in the blue.

I had the privilege to sit in and watch the rehearsals of “Midsummer Night’s Dream”, at the Aldwych Theatre, London, in 1971, still with the RSC. I kept looking at Brook on stage in plain view, in the midst of a crisis and one only question was apparent: “how to transform a traditional actor into a modern interpreter”. I guess that this is where the art of ‘representing” takes over from “acting”. It starts here, with “Empty Space”. Now, with the passing of the master, the “Empy Space” has been left empty.

But from where do I draw that emotion, Peter?“. I ‘d see him walking to and fro on stage, trying to explain the concept of an empty space or exercise the Grotowski technique to the desperation of traditionally trained actors. The result was not always a happy one.

But it was through Robert Langdon Lloyd (role of “Puck” in that production) that Brook found his answer. Ironically, I was (13 years after this event) directing Lloyd in my own premiere of” All Strange Away” by Samuel Beckett, in New York. What a leap!

“Empty Space” is a rug on the floor and an idea in the head, paraphrasing Glauber Rocha, the mentor of the New Brazilian Cinema of the 1960’s. It’s ” a wave in the ocean, a star in the making, a crack in the bottle that carries the message”. Yet, the message was loud and clear: connect with the audiences!

The British did not have much patience for Brook’s rapid transformation. Yet, the French (especially the Minister of Culture at the time, Jacques Lang), invited him to move to Paris, in 1974, with an amazing offer: an old abandoned train depot – opposite Paris’s main station, La Gare du Nord, and a budget so good, it would make the metaphysical plans of Brook’s new theater take off like a rocket around the world. Brook became a “former Brit” and, from now on, became the main theater attraction in Paris. And, literally, this ‘physically powerful’ space which Brook brought into the world could be as subtle as an actor turning 180 degrees and “construct the space’ around him with a simple body gesture. “Here I am…here I am not”. No light cue, no major musical theme, just a simple 180 degree turn.

Here, at the “Bouffes du Nord”, his theater now, that torn apart and “derelict like rubble of a space”, would bubble and this “Empty Space” became a plateau from which Brook was able to build up an ​​international arena: actors came from all over the world; from Africa, Asia, the Moon and some interesting meteors fell into the pit. Spoken language didn’t matter anymore but gestures did.

And with little more than a Persian rug on the floor, some dirt, some real soil and the (so called) the five natural Gurdjieff elements, Brook plunged into the most difficult stories (such as the ‘undoable” Mahabharata, nine hours long ) head first. Someone, an actor, simply just looked the audience in the eyes, opened a book and told a story. And t was so with his adaptations of Chekhov, Bizet, Shakespeare and Beckett.

This book, The Empty Space was our bible, our guide in the 70s. Each page, a revelation and a revolution about what would be the “essence of purity” on a stage and the space filled with meta-very-physical ideas and substituted those monster size sets that contributed to absolutely nothing at all to the reflection of drama.

The ‘Empty “Spaced’ Brook was the beginning of a new era with repercussions in all the arts, all of them, being stripped to the bone. Even rock groups moved to their ‘unplugged’ phase.

Groups like Nirvana and Pearl Jam understood that the special effects were becoming ‘defects’ and that an acid rain upon poetry and prose were long overdue. Yes, it was all a little like Max Ernst’s painting “Europe After the Rain”. Acid, raw and thoughtfully uncomfortable.

The book came out at a time when the rest of the counterculture movement in the world was in full force, under a full clean view and a dirty bursting cloud of acid rain.

If you are a director, actor, author or a mere theatergoer, this visionary book by Peter Brook is a MUST. Why? Because without it, you’d still live in that sad and silly time-zone which refused to understand that Peter Pan only flies through a complicated mechanism of levers, harnesses and wires. In reality, the fable of the boy-hero can be much better told by someone that you looks you in the eye – recreating inside of YOU the idea of ‘​​space’ that this fable should occupy.

Ultimately, this “Empty Space” is in our heads. And good theater resides in our ability to “think the unthinkable” and believe the unbelievable without much ado.

It is precious to visit and revisit this book from time to time, as I myself do, when I look at my shelf only to realize that it has moved, changed place, escaped on its own to another level all by itself. It exists so fluidly as our galaxy and its eroding planes.

This book is a synonym to Einstein’s time-space revelation and, just “Relativity” itself, it has changed forever our ever changing History. R.I.P. Peter Brook

Gerald Thomas

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Gerald Thomas in rehearsal with Rodrigo Pandolfo “Doroteia Louca”

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ANA GABI : “ALL ARTISTS ARE ONE” (text by Gerald Thomas – concept + video by Ana Gabi)

ALL ARTISTS ARE ONE.

@ Gerald Thomas Feb 27, 2022

ALL ARTISTS ARE ONE AND THE SAME. Yes, the same thing, the same person, same soul. His / hers many branches live in different eras and are pursued by many souls;  live in different areas of spiritual and intellectual interests  but the spine remains the same. The mission is built upon the same root.  I’m extremely nervous. Again, I had a turbulent night. Just like every night. Ukraine is being torn to shreds by Russia. Except it’s not. This is the cup of the day for the media. Good Lord, do they make their day when there is a war!!!

We are not all the same as humans. That’s where the divisionism takes place. But I am one and the same with Monet and Bartok and Duchamp and you name it. It runs in my veins and it ruins my veins because I happen not to like art.

I don’t like the theater.

I don’t like painting.

I’m being used by them.

I don’t think that the reverse order is the case. And even if it were, what would it matter?

To some, image is all that matters.

  • July 20, 1984, It’s the hottest day ever. It must be 96F degrees  and the humidity is unbelievable. Rick and I are walking East on 42nd Street. Literally just left my rehearsal of ALL STRANGE AWAY, by Beckett at the Clurman Theater, and are crossing 8th Avenue.  Hordes of whores, pimps, dealers, queens, queers, beggars and crew cuts from just about anywhere are coming to and ‘fro’ at the Port Authority  and “he” has been screaming at me ever since we left the theater. I haven’t heard a single word he said. My mind was curdled with Beckett.

November 3, 1983. Cold as hell. Snow up to the ankles. I’m walking west on East Great Jones Street going home. Just left the La MaMa rehearsal Studios. Home happens to be one and a half blocks away on Mercer and W 4th. Richard is walking along side, screaming the entire time. I’m not listening. “Hey, let’s go back to the theater (the theater is on E 4th Street). I need to drop something off at the office and talk to Ellen (Stewart).”, I said to a screaming assistant. Without saying a word, he turned his back and walked away all wrapped around in his tantrum cloud of fury. Fury of what I don’t know. Frustration I don’t know. But so it was and so it would be for decades.

He was someone I adored, loved. Eventually, he traveled with me all over the world. From Brazil to Italy to Germany to wherever. He was an actor, assistant, brother, lover, best friend and trusted confident. And all that those tantrums were…. Well, all he wanted at that time was to be credited with something he had not yet done: he wanted his name printed in big

Bold letters beneath mine. But what had he done? Nothing. Yet.

Eventually I saw history repeat itself. Yes, with set designer wives who thought more of themselves than they were; with composers who….well. They all forget that I am a persona. May even be that I am a persona non grata. But I am the embodiment of ALL THE ARTS. ALL ARTISTS ARE ONE and that ONE happens to be me.

I say that without being pretentious, if at all possible.

I know. You don’t think it’s possible.

I totally know my limitations. I do recognize genius where it lives. And it does live.

The Beatles, for instance. There is no explanation. Only possible explanation is Extra Terrestrial.

But when I say that humanity settles for the WORST, please hear me out. There is a REASON for that. Look at the size of the brain. Their brains. And what they were exposed to.

How on earth could they possibly BREAK BARRIERS if their knowledge and experience is so damn limited?

It’s all about connecting THE DOTS. THE HISTORICAL DOTS

THAT IS WHAT CULTURE DOES

IT CONNECTS THE DOTS.

Little else. Oh yes, it adds confusion. Or else, it would be too easy.

Dots, longitude and latitude, wound inflicting and confusion + ART.

Not a formula. But certainly a formula for not falling into the academic trap.

THE ARTIST IS THE ENEMY

Yeah, that’s right. The enemy. Not in the same way Goebbels saw it. Not the way the fascists have adapted it, of course. Not at all. But in principle the artist is an ardent combatant of everything that was erected by humankind as a custom and became a tradition, a social order, a behavioral pattern, an obedient logical social conduct. All of that is material for challenge and destruction for the artist – in the first instance, though not necessarily to be followed by a secondary instance; i.e. that of a construction or reconstruction.

An artist is, first and foremost, a destroyer. Then after that (and if nothing else) a rearranger.

An artist – as I see it, mas see the evil in nature. In human nature. And here is why:
“oh, these roses smell so wonderfully, so intense and yet subtle.”

Those were plastic roses? No, can’t be. Well, then plastic has a great smell.

If you are dumb enough to get carried away by cheap thrills, well….damn you. The excuse of the silly: “plastic has a great smell” – they just won’t give it up !!!!

I try to understand those who, at times of extreme distress, when the world’s ripple effects become unbearably loud  explosions in their minds, go off at sit on a beach a stare out into the ocean’s far. The ocean’s far. An island’s eye.  Their aim, no doubt is to be dreaming of an island and nothing but an island and deep sleep, no clock, no heartbeat, no metronome, no voices, no belongings, not even a message in the bottle. I try to understand them. I even try to forgive them.

Ukraine is being bombed. Unprovoked, the Russians are marching in and bombing. The world is oblique, we are all stunned. We have no word because words of change are like birds of prey: what can they do?

Gerald Thomas – NYC – Feb 26, 2022


Portuguese: translated by Ana Gabi

ALL ARTISTS ARE ONE.

@ Gerald Thomas Feb 27, 2022 

TODOS OS ARTISTAS SÃO UM E O MESMO. Sim, a mesma coisa, a mesma pessoa, a mesma alma. Suas muitas ramificações vivem em diferentes eras e são perseguidos por várias almas; moram em diferentes áreas de interesses espirituais e intelectuais, mas a coluna vertebral continua a mesma. A missão é construída sobre a mesma raiz. Estou extremamente nervoso. Mais uma vez, tive uma noite turbulenta. Assim como todas as noites. Ucrânia sendo dilacerada pela Rússia. Exceto que não. Este é o prêmio do dia para a mídia. Bom Deus, eles ganham o dia quando há uma guerra!!! Não somos todos iguais enquanto humanos. É aí que a divisão toma lugar. Mas eu sou único e o mesmo com Monet e Bartok e Duchamp e você escolhe. Corre-me nas veias e as arruínam porque acontece que não gosto de arte.

Eu não gosto de teatro. não gosto de pintar.

Estou sendo usado por eles.

Eu não acho que a ordem inversa seja o caso. E mesmo que fosse, o que importaria?

Para alguns, a imagem é tudo o que importa.

– 20 de julho de 1984, é o dia mais quente de todos. Deve ser 35 graus e a umidade é inacreditável. Rick e eu estamos caminhando a Leste na rua 42. Literalmente acabei de sair do meu ensaio de ALL STRANGE AWAY, de Beckett no Clurman Theatre, e atravessei a

oitava avenida. Hordas de putas, cafetões, traficantes, dragqueens, bichas, mendigos, um grupo de qualquer lugar indo e vindo pra lá no departamento portuário. 

e “ele” tem gritado comigo desde que saímos do teatro. Não ouvi uma única palavra do que ele disse. Minha mente estava coagulada com Beckett.

–  3 de novembro de 1983. Frio como o inferno. Neve até os tornozelos. Estou andando para o leste na  Great Jones Street indo para casa. Acabei de sair dos estúdios de ensaio La MaMa. A casa fica a um quarteirão e meio de distância na Mercer e W 4th. Richard está andando ao meu lado, gritando o tempo inteiro. Eu não estou ouvindo. “Ei, vamos voltar ao teatro (o teatro fica na E 4th Street). Eu preciso tomar algo fora do escritório e falar com a Ellen (Stewart)”, eu gritei com o assistente. Sem dizer uma palavra, ele virou as costas e foi embora envolvido em sua nuvem furiosa de birra. Fúria do que eu não sei. Frustração do que eu não sei. Mas assim foi e assim seria por décadas.

Ele era alguém que eu adorava, amava. Eventualmente, ele viajou comigo por todo o mundo. Do Brasil para a Itália para a Alemanha para onde quer que seja. Ele era um ator, assistente, irmão, amante, melhor amigo e alguém de confiança. E tudo o que essas birras eram…. Bem, tudo o que ele queria naquele momento era ser creditado com algo que ainda não havia feito: ele queria seu nome impresso em letras grandes letras em negrito abaixo das minhas. 

Mas o que ele tinha feito? Nada. Ainda.

Eventualmente, eu vi a história se repetindo. Sim, com esposas de cenógrafos que pensavam mais do que realmente eram; com compositores que….bem. Todos eles esquecem que eu sou uma persona. Pode até ser que eu seja uma persona non grata. 

Mas eu sou a personificação de TODAS AS ARTES. TODOS OS ARTISTAS SÃO UM e esse UM acontece de ser eu.

Digo isso sem ser pretensioso, se é que isso é possível.

Eu sei. Você não acha que é possível.

Conheço perfeitamente minhas limitações. Eu reconheço o gênio: onde ele mora e como ele vive.

Os Beatles, por exemplo. Não há explicação. A única explicação possível é Extraterrestre.

Mas quando digo que a humanidade se contenta com o PIOR, por favor, me escuta. Há uma RAZÃO para isso. Veja o tamanho do cérebro. Seus cérebros. E ao que eles foram expostos. Como diabos eles poderiam QUEBRAR BARREIRAS se seu conhecimento e experiência são tão limitados?

É tudo uma questão de conectar OS PONTOS. OS PONTOS HISTÓRICOS É ISSO QUE A CULTURA FAZ ELA LIGA OS PONTOS.

Um pouco mais, ah, sim, ela acrescenta confusão. Ou então, seria muito fácil.

Pontos, longitude e latitude, ferida aberta e confusão + ART.

Não é uma fórmula. Mas certamente uma fórmula para não cair na armadilha acadêmica.

O ARTISTA É O INIMIGO

Sim, está certo. O inimigo. Não da mesma forma que Goebbels viu. Não do jeito que os fascistas adaptaram, é claro. De jeito nenhum. Mas, em princípio, o artista é um ardente combatente de tudo o que foi erguido pela humanidade como costume e se tornou uma tradição, uma ordem social, um padrão de comportamento, uma conduta social lógica obediente. Tudo isso é material de desafio e destruição para o artista – em primeira instância, embora não necessariamente a ser seguido por uma segunda; ou seja, a de uma construção ou reconstrução.

Um artista é, antes de tudo, um destruidor. Então depois disso (e se nada mais) um reorganizador.

Um artista – como eu vejo, é diabólico em sua natureza. Na natureza humana. E aqui está o porquê:

“oh, essas rosas cheiram tão maravilhosamente, tão intensas e ainda assim sutis.”

Aquelas eram rosas de plástico? Não, não pode ser. Bem, então o plástico tem um cheiro ótimo. Se você é burro o suficiente para se deixar levar por emoções baratas, bem… maldito seja. A desculpa dos bobos: “o plástico tem um cheiro ótimo” – eles simplesmente não vão desistir!!!! Eu tento entender aqueles que, em momentos de extrema angústia, quando os efeitos cascata do mundo se tornam explosões insuportavelmente altas em suas mentes, saem para sentar em uma praia e olhar para o oceano distante. O oceano distante. O olho da ilha. Sua mira, sem dúvida, é estar sonhando em uma ilha e mais nada, mas uma ilha em sono profundo, sem relógio, sem batimentos cardíacos, sem metrônomo, sem vozes, sem pertences, nem mesmo uma mensagem na garrafa. Eu tento entendê-los. Eu até tento perdoá-los.

A Ucrânia está sendo bombardeada. Sem provocação, os russos estão marchando e bombardeando. O mundo é oblíquo, estamos todos atordoados. Não temos palavras porque palavras são como aves de rapina: o que elas podem fazer? 

Gerald Thomas Fev 2022 (tradução Ana Gabi)

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Bachianas Brasileiras 4 on the bass by GT for F.E.T.O.

Bachianas Brasileiras # 4 by Villa Lobos (Gerald Thomas on bass)

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Tentativa de GOLPE (por parte dos atores); de sequestrar a peça e afastar o Diretor (Gerald Thomas). Ele próprio já havia escrito essa cena: minha conversa com André Bortolanza.

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“ETUDES POUR DOROTEIA” Tea Drinking Scene – Lisa Giobbi – Gerald Thomas Blues.

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“ETUDES POUR DOROTEIA BLUES by GT”

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GT – Searching for that strange color….

wordpress is fucked up!

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GT – Prelude on bass

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METROPOLIS TV CULTURA “O RETORNO AO TEATRO”: Gerald Thomas e Fabi Gugli: “G.A.L.A.” abre o Festival de Teatro de Curitiba

Assista: https://vimeo.com/700066817?embedded=true&source=vimeo_logo&owner=1873464

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PALESTRAS DOCUMEMTADAS: RUY FILHO (ANTROPOSITIVO) Festival de Teatro de Curitiba, Março de 2022 – Gerald Thomas

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GT – Sea Bass.

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“G.A.L.A.” receives a standing ovation at opening at Curitiba Theater Festival.

https://www.youtube.com/shorts/DY9opZMkc4s<a href="http://&lt;!– wp:paragraph –> <p>https://www.youtube.com/shorts/DY9opZMkc4shttps://www.youtube.com/shorts/DY9opZMkc4s</p&gt; <p>https://www.youtube.com/shorts/DY9opZMkc4shttps://www.youtube.com/shorts/DY9opZMkc4s</p&gt; <!– /wp:paragraph –>

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GT – Exposed to the elements, in part(s)

GT – FEET

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Entrevista Coletiva de estreia: Curitiba “G.A.L.A.”

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Crítica: ‘G.A.L.A.’, de Gerald Thomas, é uma viagem ao fim do mundo – Festival de Curitiba

Crítica: ‘G.A.L.A.’ é uma viagem ao fim do mundo – Festival de Curitiba

Gerald Thomas estreia nos palcos durante o Festival de Curitiba com ‘G.A.L.A.’, peça que foi projetada para ambiente digital.

Maura Martins por Maura Martins

 30 de março de 2022

em Em Cena

A A

Crítica: ‘G.A.L.A.’ é uma viagem ao fim do mundo - Festival de Curitiba

Cena de ‘G.A.L.A.’, de Gerald Thomas. Imagem: Nicolas Caratori/Divulgação.

Um cenário inóspito, iluminado por uma lua avermelhada, em que um barco arruinado carrega uma linda mulher adornada por penas, como se vestisse uma fantasia do Carnaval. Pode ser a superfície da lua, pode ser um deserto – e pode ser apenas o Brasil. G.A.L.A.(espetáculo criado por Gerald Thomas durante a pandemia, originalmente para ser projetada online) chega ao Festival de Curitiba com o intuito de provocar certa tensão.

“Beckett virou NFT, hoje tudo é bitcoin” são algumas das primeiras falas do monólogo feito pela atriz Fabiana Gugli. Claramente a peça busca desnudar as crises que acometem todo sujeito que hoje habita este planeta, em que todas as referências preestabelecidas estão se tornando bens irrelevantes, descartáveis, ouro de tolo – como as obras de arte virtuais e o dinheiro que não existe.

Vale lembrar que Samuel Beckett é tido como o grande mestre do teatro de Gerald Thomas, e G.A.L.A. marcaria o afastamento da obra dos dois. À Folha de São Paulo, o diretor declarou que “a peça, como outras, é autobiográfica, e é meu rompimento com Beckett. Há 40 anos ele martela e esculpe seu nome no meu cérebro”.

O cenário projetado por Thomas é um ambiente onírico onde sonho e pesadelo se misturam. Bombas e tiros eventualmente soam no local, assim como clássicos da música erudita se misturam com Rolling Stones

O cenário projetado por Thomas é um ambiente onírico onde sonho e pesadelo se misturam. Bombas e tiros eventualmente soam no local, assim como clássicos da música erudita se misturam com Rolling Stones e outras bandas de rock

A Gala do título – uma referência à artista Gala Dalí, artista russa proeminente no século XX e que se casou com Salvador Dalí – transparece no texto que remete a uma mulher que conversa o tempo todo com seu amante perdido, a que chama de Sancho, e diz que sente sua falta, apesar das traições entre ambos.

A ruína do mundo, portanto, é multifacetada: o barco está destruído, a morte está próxima (um dos únicos objetos cênicos presentes no palco é uma caveira), os pilares foram derrubados, tudo que confiávamos esmoreceu.

Cena de ‘G.A.L.A.’. Imagem: Lina Sumizono.

É difícil saber para onde vamos a partir daqui – e se, tal como crianças mimadas, estamos todos exaustos à toa. “Está pior que as fogueiras da Inquisição? Pior que o Terceiro Reich? Jura? Pior que o crash da Bolsa e a fila da fome, a fila do pão, a fila da sopa de 1929?”, profere a mulher de G.A.L.A. Ela ainda atende o telefone que não para de tocar e responde: “estou em ruínas e você me vem com essa notícia?”.

Ainda que tudo esteja acabado, que sejamos já a sociedade do cansaço, há ainda um tanto de festa, pois a mulher dança e se embriaga (tristemente, vale dizer). Com texto afiado e absolutamente atualizado (que chega a mencionar o tapa dado por Will Smith na cerimônia do Oscar, no último domingo), G.A.L.A. é a estreia “em carne e osso” de uma peça pensada para transmissão virtual. Uma chance e tanto para deleitar-se com o texto de Gerald Thomas e presenciar uma grande performance de Fabiana Gugli.

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“G.A.L.A” apresenta as ruínas da contemporaneidade (Critica)

G.A.L.A apresenta as ruínas da contemporaneidade

(Foto: Lina Sumizono)

   

01/04/22 às 10:04 Ana Reimann, para A Vida É Palco

As diferentes vozes a respeito de um mesmo espetáculo é uma das possibilidades que a crítica artística abre. E aqui temos a visão da Ana, colaboradora do blog na cobertura do 30º Festival de Teatro de Curitiba.

Quem é a autora?

Ana Reimann é atriz, formada pela Faculdade de Artes do Paraná e jornalista pela Universidade Positivo. Como artista e comunicadora, investiga a linguagem contemporânea de criação e a convergência entre arte, comunicação e cultura. É assessora de comunicação da Smartcom – Inteligência em Comunicação e parceira do Grupo Obragem de Teatro.

Cercada de ruínas, em uma festa no fim do mundo, uma mulher dança nos destroços de um naufrágio. Vestida com penachos, ela rodopia entre tiros, bombas e a solidão causados pela pandemia e pelos conflitos que abalam o mundo na contemporaneidade.

Em G.A.L.A, cada prato quebrado é um grito de socorro.

A dramaturgia de Gerald Thomas, marcada pela influência dos dramaturgos Samuel Beckett e Heiner Müller, se atualiza enquanto a peça acontece VIVA, em cena. Thomas demonstra um desejo genuíno de romper com os autores que o acompanharam durante a sua trajetória, talvez uma tentativa de atualizar sua própria história a partir dos novos tempos de guerra. Guernica, de Picasso, realmente, parece (?) um pouco distante.

Quando Fabiana Gugli, com a sua presença digna de prêmio, se é que isso é mesmo relevante, levanta o crânio, que simbolicamente representa as milhares de vidas destruídas pelas guerras, pelo descaso com a saúde pública, pelo governo genocida, as crianças órfãs ou mortas nos conflitos, o espelho do que somos no caos do dia a dia das nossas vidas solitárias, silenciosas, ora psicóticas, presas no DNA que carrega a ancestralidade, vemos também que Ofélia, aquela que o rio não conservou, ainda vive. Heiner Müller não morreu para ele. Em tempos de NFT e bitcoins, o adeus a Godot não será tão fácil.

Triste é perceber que as piadas casuais, que ocupam o lugar comum, sobre o coentro no feijão, as menções às dancinhas do tik tok e as propositadamente rasas chacotas de apelo sexual, são as únicas que tiram risinhos da plateia. Não temos mais referências.

A artista russa Gala Dalí, casada com Salvador Dalí no século XX, e seu amante Sancho, protagonizam o texto de G.A.L.A. Eles têm conversas intermináveis sobre questões existenciais. As reflexões representam o alter ego de Gerald e, também, a “existencialidade” de Gugli que, vivencia cada gesto de forma única e desnuda-se em cena, ao também se mostrar à procura por respostas que o universo não é capaz de responder. É possível enxergar suas veias, o amontoado de células, os ossos que a sustentam em um cenário global que perde para as fogueiras da inquisição, para a fila do pão, a crise de 1929, o terceiro Reich. Só restam a lua vermelha de sangue projetada na parede vazia, a bebida e o rock and roll.

De repente parece que, mais de uma vez, a encenação chegará ao fim. Aqueles finais que terminam no auge, em imagens dignas do hiper-realismo de Hopper: a solidão de um corpo e da luz que invade, de forma precisa, a arquitetura, como um dejavu.  Um guarda-chuva que se abre no dilúvio, em busca de proteção. Um braço estendido implorando por ajuda. Uma epifania.

A figura de uma ave quebrada, como se fosse posta em sacrifício para salvar o mundo, é um exílio do ser humano em si. O ritual de tirar as penas da cabeça, uma por uma, como quem larga o seu ejá e deixa o ori exposto para guerrear sozinho é uma pista de quem, talvez, utiliza o microfone para reverberar palavras que nunca encontram o destinatário.

Às vezes é a falta de sanidade. Outras, é um fio de cabelo, um osso, um dente não encontrados.

Nesse ponto, começa o processo catártico. No ápice, o microfone desliga (será que estragou?), entra a música estridente, uma luz que ofusca e chega aquela cena fútil sobre a mulher de classe média que procura ouvir o sexo dos vizinhos.  É exatamente esse o momento que te fazer acordar: você está no teatro, essa é uma encenação, a mulher é uma atriz e o diretor é o Gerald Thomas. Os braços para cima são da Fabiana, ela chora para comover, há uma fita em formato de X nos seus seios com o objetivo de se fazer gritar a todos, como Munch, o pavor aos resquícios da nossa desoladora realidade burlesca. Em um looping, aquela imagem será quebrada, e outra se formará, e outra, até o momento em que entenderemos e nos cansaremos do choque de realidade que é enfrentar o nosso caos. Como hamsters, simplesmente apreciaremos a tristeza do fim.

Em G.A.L.A, não há espaço para riso. A não ser se for para constatar o quanto somos ridículos.

Senti falta de você e da sua guitarra no palco. Eu te encontro nas suas próximas ruínas. Até a próxima, Gerald. Aqui ou em Itaim Bibi.

Love

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Crítica | G.A.L.A. de Gerald Thomas arrebata Festival de Curitiba com auge de Fabiana Gugli

Crítica | G.A.L.A. de Gerald Thomas arrebata Festival de Curitiba com auge de Fabiana Gugli

POR BLOG DO ARCANJO · 30/03/2022

Grande performance: Fabiana Gugli em cena de G.A.L.A., de Gerald Thomas, que conquistou o público no 30º Festival de Curitiba – Foto: Annelize Tozetto – Blog do Arcanjo

Por MIGUEL ARCANJO PRADO
@miguel.arcanjo

Oidealizador do Festival de Curitiba, Leandro Knopfholz, é um cara do mundo, vivido e experimentado, que sempre encarou seu evento como cosmopolita, rejeitando qualquer tipo de provincianismo ao mesmo tempo que jogou holofotes constantes a quem contribuiu para a trajetória de 30 anos de sucesso do maior festival das artes cênicas na América Latina.

Tendo isso em mente, faz todo o sentido que o diretor Gerald Thomas tenha sido o escolhido para abrir o 30º Festival de Curitiba na noite desta terça (29). O reencontro presencial foi no tradicional palco do Guairinha, com sua plateia de elegantes poltronas de veludo vermelho, repletas de um público que misturou versados e novatos no diálogo com o famigerado diretor.

O nome da nova obra de Gerald Thomas não poderia ser mais propício: G.A.L.A., uma espécie de monólogo surreal tropicalista direto do caos protagonizado por Fabiana Gugli, em atuação digna de ser premiada. O título também homenageia a mulher e musa do pintor surrealista Salvador Dalí.

Gerald Thomas posa para o Blog do Arcanjo no palco do Guairinha momentos antes da estreia de G.A.L.A no 30º Festival de Curitiba – Foto: Annelize Tozetto – Blog do Arcanjo

Referência do pós-dramático

Ícone do teatro pós-dramático no Brasil da década de 1990, mesma época em que começou o Festival de Curitiba, onde esteve na primeira edição, Gerald Thomas sabe como ninguém construir imagens de alto impacto e pura sensibilidade, dividindo com o público a busca incessante por sentido.

A sensação ao ver a nova peça de Gerald Thomas continua a de se estar diante de um quadro vivo, tamanho domínio das nuances de cores e luzes. E da beleza do fazer teatral.

E, se os olhos estão satisfeitos, os ouvidos, também. Gerald Thomas possui refinado e sarcástico texto, onde sobram alfinetadas e referências por todos os lados, que vão da brasilidade do “coentro no feijão” à literatura pop de Paulo Coelho ou a canção Satisfaction dos Rolling Stones, ainda recordando o medo asfixiante na pandemia. Aliás, o espírito da obra de Gerald Thomas, como evidencia boa parte de sua trilha, é essencialmente rock’n’roll garage.

Náufrega sem saída, com uma mistura de nostalgia e rechaço de um tempo que já passou, a personagem de Fabiana Gugli é um alterego do próprio diretor e dramaturgo. Ela dá vida a uma artista sob o infortúnio do naufrágio e que evoca o démodé dos velhos tablados e seus nomes icônicos, que soam como peças de um moribundo museu em um mundo algoritmado na velocidade do bitcoin e da dancinha do TikTok.

Realmente, as novas gerações não parecem muito preocupadas com Beckett, Walmor ou Cacilda. E só são capazes de rir se houver algum palavrão ou referência sexual na frase. E não há muito que se possa fazer em relação a isso. Tal desalento leva a personagem a um alto grau de desespero, num diálogo constante que busca justamente quem ainda lhe preste alguma atenção. Ou compreenda sua mensagem.

Fabiana Gugli faz performance dinga de ser premiada em G.A.L.A., a nova peça de Gerald Thomas que hipnotizou o 30º Festival de Curitiba – Foto: Annelize Tozetto – Blog do Arcanjo

Uma atriz no auge

Em seu auge, Fabiana Gugli demonstra domínio coeso das matizes emocionais de sua personagem. E se joga de cabeça em cada uma das cenas oníricas propostas por seu diretor. A atriz quebra pratos com veemência e, logo depois, torna-se dócil e carente, com a velocidade de troca atmosférica que só as grandes intérpretes conseguem. Com G.A.L.A., Fabiana Gugli se firma como uma das atrizes mais importantes de sua geração no teatro brasileiro.

Engenhoso e atento ao aqui agora, Gerald Thomas trouxe para sua estreia de Curitiba a síntese do tempo, tão necessária a este mundo cada vez mais impaciente, fazendo seu espetáculo durar menos de uma hora. Ele ainda assimila temas quentes do momento, no que é perceptível a herança de outro grande encenador obcecado como aqui e agora: Zé Celso.

Desalento sem fim: personagem de Fabiana Gugli está desonforme com os rumos do mundo e do teatro na atualidade em G.A.L.A., de Gerald Thomas – Foto: Annelize Tozetto – Blog do Arcanjo

Ponte no tempo-espaço

O diretor atualiza a Guernica de Picasso e cria a ponte no tempo: “Agora é a Ucrânia”, concluiu no palco Fabiana Gugli. Ou quando a personagem, já no fim do espetáculo, pergunta: “Tapa? Uma loucura! Will Smith, sério?”, fazendo referência ao episódio de agressão envolvendo o ator Will Smith e o humorista Chris Rock, que marcou a noite do Oscar menos de 48 horas antes da estreia da peça em Curitiba e sobre o qual (quase) todos opinaram.

Comunicando-se com o imaginário Sancho por telefone, evocando a peça Dias Felizes, de Beckett, o dramaturgo a certo momento define seu Sancho como sendo “sua mulher”. Assim, Fabiana Gugli – ou Gerald Thomas — se assume como um Dom Quixote errante nestes fugazes tempos contemporâneos altamente digitalizados.

Resta saber se a mão, que surge como fio de esperança ao fim do espetáculo, é uma ajuda concreta ao anti-herói à deriva ou apenas um delírio momentâneo e efêmero. Como o é o próprio Festival de Curitiba. E é justamente aí que mora a beleza do teatro.

G.A.L.A.

Avaliação: Ótimo ✪✪✪✪✪
Crítica por Miguel Arcanjo Prado

O jornalista e crítico Miguel Arcanjo Prado viajou a convite do Festival de Curitiba.

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“G.A.L.A.” opens the 30th anniversary edition of the Curitiba Theater Festival (O Estado de São Paulo)

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March 29, 2022 · 12:51 pm

GT – on the bass in rehearsals in Curitiba.

During “G.A.L.A.” rehearsals”

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Gerald plays a short bass riff in Curitiba for G.A.L.A.

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Gerald Thomas playing the bass in Curitiba # 1

Curitiba Theater Festival # 30 – March 2022

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